Le Showroom Nouvel Art

Nicole Brousse, sculptrice, crée des œuvres intemporelles fusionnant classique et moderne, tout en menant une quête intérieure pour mieux se connaître.

Elle découvre que ses explorations artistiques et personnelles sont interconnectées, cherchant à retrouver l’essence de la vie à travers son art.

Gilles Grimon, né à Paris et formé aux Arts Décoratifs, a illustré pour la presse, la publicité et l’édition pendant vingt-cinq ans, travaillant pour de nombreux grands noms comme Le Nouvel Observateur, Marie-Claire et Hachette. Depuis 2005, il se consacre entièrement à la peinture et vit actuellement en Provence après des séjours à Londres et Milan.

Jaana Myöhänen est née en Finlande qu’elle quitte peu après le sortir de l’adolescence pour s’établir en France où elle réside depuis. Ce n’est qu’après plusieurs détours qu’elle vient à son art, la taille directe qui dès qu’elle découvre lui fait dire « c’est ça » qu’elle a cherchée pendant plus de 10 ans. En effet, elle commence comme maquilleuse à l’opéra, où elle découvre et rehausse ces corps et ces visages qui jalonnent son œuvre. Corps et visages en équilibre, jaillissement et exaltation. Après un passage au théâtre comme décoratrice, elle se rapproche de la sculpture en travaillant la céramique et en s’initiant en parallèle au modelage, travail de la terre en vrai volume. René Coutelle qui sera son maître pendant plus de 2 ans, lui fait découvrir voici bientôt quinze ans la pierre et la taille directe et depuis elle n’a plus quitté cet art. 

Ces pierres, marbre noir de Belgique, marbre de Carrare, serpentine, albâtre, calcaire de Montmartin, granit…. Elle les recherche à travers l’Europe, au fond de carrières oubliées, sur les quais des ports, auprès de géologues passionnés… Car la sculpture est un dessein à deux, un dialogue entre une pierre jamais innocente et le sculpteur dont la main révèle une image rêvée qui sommeille au profond de la matière et de l’âme de l’artiste. L’œuvre de Jaana est dense et épurée, vivante, ronde mais élancée. Elle allie poli des surfaces et matière brute, dont émerge la forme découverte au cœur d’une pierre vidée de ses excès, d’où nait une œuvre unique, une seule forme propre à chaque pierre qui a son chemin propre. Elle conduit à une lecture essentielle de la matière qui unit l’homme à ses origines.

Son travail et sa taille de la pierre est étonnant, d’un côté les sculptures sont détaillées et réalistes et d’un autre côté, elles évoluent sous formes de blocs cubiques et rectangulaires, donnant une impression de construction ou déconstruction en cours. Un contraste entre douceur et rugosité qui joue avec les notions de formes et de transformations. Il y a des sculptures que l’on a envie de toucher, et c’est cela qui me donne envie de sculpter. Une femme bicolore, une endormie, une autre qui se métamorphose en une construction géométrique, taillée dans la pierre, un oiseau d’onyx, un ours taillé dans le bois et sa Panthervrier en bronze. C’est un monde dominé par la poésie que je viens présenter.

Les dessins de David Abisror portent les traits emmêlés de toutes les chevelures rêvées – celles, lourdes et parfumées, que les poètes nous font imaginer ; celles que l’on aura à peine entrevues, voguant au loin ; celles des mèches perdues que l’on écarte du coin de la main, tout près du visage aimé…

Mais quand on recule d’un pas pour embrasser l’œuvre d’un seul regard, alors se retirent les détails inventés, les détails dessinés, et l’on s’aperçoit que nos yeux sont posés sur une véritable fresque. Dans cet enchevêtrement du motif, de la ligne, du noir et du blanc, l’artiste s’est laissé porter par « l’harmonie du mouvement », qui communique un même élan à tous ses composants : les rondeurs, les traits, les mosaïques infimes – souvent dessinées à la loupe, pour qu’elles soient encore plus détaillées, sans pour autant que la forme générale du tableau ne soit anticipée. Le dessin fourmille de vaisseaux où coule un flux d’images continu, parcourant tout un réseau de motifs qui semble pousser, ou peut-être monter – comme la sève jusqu’aux rameaux, comme le message nerveux jusqu’au cerveau. 

Son monde fantastique est inspiré par ses nombreux voyages en Inde et au Tibet, où il a rencontré le Dalaï Lama à trois reprises. Avec surtout l’idée d’un mouvement, un trait en emmenant un autre, sans rien anticiper, avec son crayon, il se laisse guide par l’énergie qui l’habite… le sens du crayon lui donnant cet enchevêtrement, spectateur de ce qui se passe…

Françoise et Pascal Luciani ont créé Luciani Création en 2020, avec deux ateliers et un espace galerie au cœur du village de Sablet en Provence, où ils présentent et réalisent leurs œuvres pour des projets de décorations intérieures. Luciani Création réunit deux univers artistiques complémentaires.

L’un puise son inspiration dans l’expérience de la photographie, de la maîtrise de la lumière et de la retouche, nourrie par des années de pratique auprès de professionnels de l’image et de la direction artistique. Ce savoir-faire technique est aujourd’hui mis au service d’une expression plus intime, proche des sources premières de la création.

« Explorer la problématique du découpage de l’espace ». L’autre s’ancre dans une démarche issue des arts appliqués et du graphisme, où l’abstraction géométrique devient un terrain d’exploration infini. La ligne, le découpage de l’espace et la construction en papier donnent naissance à des œuvres où la rigueur du geste rencontre l’intuition. Superpositions, décalages, rythmes colorés : le papier devient matière vivante, révélant un espace graphique vibrant de lumière et de textures.

Pierre Sgamma est un artiste-peintre français, né en 1961. Les œuvres de Pierre Sgamma bousculent toujours le spectateur. Ses compositions fantastiques voir surréalistes, perturbent, troublent, ébranlent, heurtent parfois. Pierre Sgamma déploie un univers original et unique dans toutes ses œuvres, son vocabulaire plastique est étonnant, ses compositions dérangeantes. L’artiste cherche par tous les moyens à inviter le spectateur à une réflexion sur lui-même, sa personnalité, ses défauts … Pour cela il dévoile au grand jour toutes les zones d’ombres de l’homme dans ses toiles. Ses œuvres sont à apprécier comme autant de dialogues entre l’artiste et le spectateur qui s’y trouve confronter. L’artiste nous pousse à l’introspection, il espère que ses peintures seront un déclencheur pour le spectateur. A la frontière avec le symbolisme, les toiles de Pierre Sgamma sont des représentations implicites du bien et du mal, chaque objet, chaque symbole fait sens parmi les autres. Culture, religion et fantaisie vont ici de pair.

S’il peint depuis quelques années seulement, son évolution est fulgurante. 

David Nicolas Djordjevic a commencé par l’abstrait avant de se tourner vers « la figuration, défi plus conséquent, vecteur de discussions plus concrètes et de thématiques plus intéressantes ». Ses créations sont peuplées de créatures hybrides, zoomorphes ou à tête de robot. David Nicolas Djordjevic peint un mélange de choses qui l’habitent, la peur de la mort, et la mythologie, la bande dessinée, l’animation japonaise, l’épopée chevaleresque, les robots, et même un peu la religion. Tous ces mondes s’entrecroisent dans ses tableaux. 

Ayant débuté à l’acrylique, il s’est tourné vers l’huile pour travailler la matière ; la matière est ce qui caractérise principalement le travail de Djordjevic. Une peinture sans pinceaux, les œuvres sont réalisées de manière urgente, en pressant directement le tube sur la toile et en peignant avec les doigts, rendant l’approche très intuitive. Ce qui est frappant, chez Djordjevic, c’est l’épaisseur de peinture sur la toile. Des figures fortes, et des couleurs vives lui permettant de contrebalancer avec ses thématiques. 

« Mon travail porte principalement sur la diversité humaine et ses interactions ; la plus grande partie de l’anthropomorphisme présent dans mes œuvres repose sur des figures humaines, mais dans une très grande diversité (physique et intellectuelle). Entre ces « presque humains » qui essaient d’interagir entre eux par leurs propres moyens (principalement en argumentant ou en se battant), on peut aussi plonger dans des profondeurs mythologiques ou médiévales, de mythes ou de divinités et créatures emblématiques.

Depuis le tout début de l’humanité, différentes tribus se sont rencontrées et ont souvent échoué à interagir positivement, à cause de barrières linguistiques ou simplement par pure cupidité et obsession de posséder, finissant souvent par se battre. C’est cela que j’aime montrer : l’équilibre entre notre instinct primal et les concessions que nous faisons, l’adrénaline qui s’empare de nous dans certaines situations où nous sommes impliqués ou même en tant que simple spectateur ».

Certains de ses sujets peuvent rappeler Basquiat, les formes et la couleur le mouvement Cobra, le travail de la matière Lindström. Et on relève une certaine proximité avec l’imagerie mexicaine des fêtes colorées mortuaires. Mais c’est lui. Un vrai diamant brut. Son travail propose une vraie originalité, une énergie, et cette matière sculpturale incroyable.

Doro.T, stigmate d’un moment

Après des études à l’école des Beaux-Arts de Paris, Doro-T est depuis plus de 40 ans peintre et plasticienne, elle développe sans cesse des techniques au fil des idées, des matériaux mais sans quitter les pinceaux. Du figuratif délicat, elle pratique désormais l’art abstrait tout en imposant une réalité qui nous parle.

C’est vous. C’est moi. Ce sont eux. Les gens, comme on les appelle.

Ces personnages qui se devinent, en mouvement, sur des fonds abstraits sont des silhouettes, presque grandeur nature, captées dans la ville, les réceptions, les salles d’attente, aux terrasses des cafés, dans un bar.

Des moments éphémères. Des rencontres. L’émotion d’un moment fugace sur toile de couleurs, de matières et d’harmonies.

Formateur agréé, Doro-T enseigne également toutes techniques de peinture depuis 1990. Elle a exposé dans divers salons prestigieux, distinguée notamment au Salon d’Automne, au Carrousel du Louvre et au Grand Palais et représentée dans de nombreuses galeries.

Cotation Akoun depuis 2010

Basé dans le Vaucluse, Nessuno a un parcours atypique, pur autodidacte hyperactif de talent.

En parallèle de ses activités d’artisanat d’art, design, création de mobilier et luminaires, ainsi qu’en architecture d’intérieur, Nessuno a néanmoins toujours créé et produit des œuvres d’art dans un cadre privé ou de projets pour ses clients.

En 2024, il se décide enfin à exposer ses sculptures en galerie. C’est un artiste émergent qui travaille sur plusieurs types de matériaux, mais le métal reste sa matière de prédilection. Au fil des années, il approfondit sa maîtrise des techniques de soudure et de modelage du métal.

Ses créations uniques spécifiques et ludiques sont marquées par des lignes graphiques et épurées révélant une esthétique minimaliste et contemporaine. Nessuno intègre dans chacune de ses pièces des éléments de design et de composition de graphisme, tels que des lignes sobres et maîtrisées, des formes géométriques et une simplicité visuelle.

Inspiré par un imaginaire qui n’appartient qu’à lui, il explore les possibilités infinies du métal qu’il façonne avec précision et sensibilité. Chaque pièce est unique et une invitation à plonger dans un univers où la simplicité des formes cache une profondeur artistique singulière.

Olivier J. Leda-Weiss est un artiste plasticien, musicien et graphiste né au début des années 80. Dès son adolescence, il quitte seul la France pour la Belgique, où il poursuivra plus tard des études en communication visuelle à l’École des Arts Saint-Luc. C’est dans cette institution qu’il affine son sens créatif tout en se lançant dans le design graphique. Il fonde également son propre studio d’enregistrement à Bruxelles pour concrétiser ses nombreux projets musicaux. Depuis 2022, il réside à Vaison-la-Romaine en Provence, où il se consacre principalement à la peinture. Dans sa pratique artistique, Olivier J.LW imagine ses œuvres comme des écosystèmes picturaux, délicatement positionnés à la frontière entre le tangible et l’éthéré, l’intime et l’énigmatique.

L’art. Vaste sujet. L’art d’exprimer. Sur la toile par exemple. Mais au fil des années Claude Petitjean a acquis de l’expérience dans l’art contemporain mais aussi dans l’art de dire, de se dire et de faire dire. L’art de dire c’est mon activité de publicitaire, j’ai conseillé Michael Jackson, Carrefour, Accor, Europcar, Hilton, Miele… L’art de me dire c’est mon « travail sur moi… », et enfin l’art de faire dire c’est mon activité de coaching par l’écriture. Claude Roy énonce : « J’écris pour lire ce que je ne savais pas que j’allais écrire », et moi je vous dis prenez une « feuille blanche » et correspondons pour parler d’art ou pour fluidifier votre vie professionnelle et personnelle. Galerie Petitjean, une galerie de portraits dont le vôtre.

Ses peintures à l’encre et aquarelle sont l’expression d’une féminité exprimée, d’émotions retenues et de son hypersensibilité, à travers la représentation de la nature de manière abstraite. Aude Costa aime le mouvement, les couleurs, les touches d’acidité. La nature terrestre et aquatique est pour elle source d’inspiration, elle est la clé, à la fois douce et poétique, mais aussi sévère, perfectionniste et précise. Aude Costa aime prendre le temps d’observer ses détails, ses faces cachées. Diplômé de l’ENSAAMA Olivier de Serre à Paris, son métier de designer-plasticienne architecturale l’a longtemps structurée. Le tissu lui permet l’utilisation de la technique de la broderie, amenant à l’œuvre une vision soyeuse, en volume. Le fil comme un crayon reproduit un geste structuré. Le papier quant à lui est synonyme d’authenticité, comme une danse, le papier boit son encre, boit l’eau transmise par le pinceau. Cette harmonie n’est pas métrisable car l’alchimie des deux éléments ne lui appartient plus vraiment, lorsque « ça sèche », des choses se passent … ayant l’illusion de ne pas maîtriser le résultat.

Il envoie du bois ! Menuisier et ébéniste de formation, Jacques Jouvin (atelier JAB  » Jouvin atelier bois ») allie sa passion du bois et de la moto à travers des créations uniques, élégantes et raffinées. S’inspirant du nautisme, toute ressemblance de ses réalisations avec de célèbres bateaux italiens est donc tout sauf fortuite.

Au-delà de ses propres œuvres sur base de Yamaha 650 XS, il collabore aussi avec les professionnels de la restauration comme Alternative Side-car sur des projets haut de gamme. Il ne suffit pas d’être à la fois passionné de moto et d’être expert en menuiserie-ébénisterie pour produire des chefs d’œuvre sur deux roues. Encore faut-il avoir un certain sens de l’esthétisme, une technique sans faille, et quelques autres atouts.

Photographe Portraitiste depuis plusieurs années, j’ai dû malgré moi, pour des raisons de santé mettre un terme à ce travail en 2019. L’idée des collages est survenue lors de la lecture de certains magazines de mode où un produit était sublimé par des collages, et à partir de ce moment-là, j’ai su que la reconversion allait se mettre en place.L’art a toujours fait partie de ma vie, j’ai exercé dans nombreux domaines artistiques, la mode, la composition florale sans oublier la photographie. Tous ces domaines sont mon parcours de vie et se reflètent à travers mes collages.

J’ajouterai que tous mes collages originaux sont faits à la main, et uniquement avec des magazines de qualité sélectionnés avec soin.

Je m’accorde le temps nécessaire en ne produisant qu’une collection par an. Je vous laisse découvrir mon univers artistique, une combinaison alliant l’élégance, le minimalisme, le graphique, la mode, le design ainsi que mon inspiration du moment. Chaque pièce est unique et une invitation à plonger dans un univers où la simplicité des formes cache une profondeur artistique singulière.

Cette jeune artiste autodidacte de 33 ans est originaire du sud de la France et vit actuellement aux Baux de Provence. Dès son jeune âge, Laura Dreyer a un esprit très créatif ; le dessin, la peinture, la sculpture et la photographie sont devenus ses principaux moyens d’expression. 

Cette passion créative, pratiquée à ses heures perdues, restera enfouie pendant de nombreuses années, puis un Déclic soudain, Laura ressent un besoin viscéral de s’exprimer. Elle ne l’explique pas, elle se sent juste envahie d’une imagination débordante, comme un jaillissement.

La Nature, la Féminité et l’Art Nouveau sont ses principales sources d’inspiration. À travers ses œuvres inspirées de ses souvenirs de voyage, l’artiste souhaite insuffler Émerveillement, Poésie et Évasion. 

Photographier la nature, s’en imprégner et en souligner la beauté. La photographie est à la source de son processus créatif. Laura trouve qu’il est important de prendre le temps de contempler la Beauté tout autour de nous, révéler les merveilles que la nature nous offre, et ainsi elle se protège d’un monde où tout va trop vite. L’essentiel c’est l’Émotion.

Né en 1964 à Marseille, Francis Guerrier évolue dans un univers artistique. Il quitte la Provence pour Paris où il commence par suivre l’enseignement du Cours Florent pour devenir acteur. Mais c’est vers la mise en scène qu’il s’orientera dans un premier temps avant d’embrasser une carrière dans la création de décors et de scénographies auprès de son « Maître » Pierre-Henri Magnin. Il crée sa propre société en 1989 et s’entoure de professionnels qui lui permettront d’approcher et de maitriser divers matériaux de construction (bois, verre, aluminium, acier…) et les outils contemporains de la scénographie : installations son et lumière, vidéo, laser…

Dix ans plus tard il cède sa société et décide de devenir sculpteur. Aujourd’hui, il se consacre essentiellement à la réalisation de sculptures en acier noir dont les formes courbes et élancées lui sont inspirées par la nature. S’il continue à réaliser décors et scénographies afin de satisfaire sa passion du théâtre, c’est en sculptant qu’il se sent libre et s’attache aujourd’hui à la création d’œuvres monumentales pourtant si légères et élégantes.

Étienne Viard débute la sculpture en 1980, en travaillant une grande variété de matériaux tels que la terre, la pierre, le bois et le verre. Depuis 1990, il se consacre totalement à l’acier. Il décide consciemment de ne faire usage que de trois techniques de base : pliage, découpage et assemblage. Ses sculptures, forgées à partir de feuilles ou de barres d’acier, ont une patine noire ou sont laissées à l’état brut (acier Corten).

Étienne Viard est un artiste qui, alliant spontanéité et réflexion dans ses méthodes de travail, produit des pièces qui unissent la forme minimaliste pure avec la sensibilité expressive, voire romantique. Ses sculptures représentent un défi lancé par des envolées poétiques aux propriétés du matériau de base, un duel entre l’inflexibilité du métal et la suggestion du désordre. Cette dualité se manifeste par ses excroissances farouches ou ses effondrements vers l’entropie.

Artiste autodidacte, Henri-François Dumont s’est toujours passionné pour l’art contemporain. Au fil des années, il commence à sculpter et se trouve invité, avec ses premières sculptures, à exposer au Grand Palais et au Musée Tretyakov à Moscou en 1992. Puis il expose entre autres, à Art Elysées, Art Paris, à Start, au Salon de Mai, à Grands et jeunes d’Aujourd’hui, à Mac 2000 et dans diverses Galeries. Ses dernières années il fut invité à plusieurs reprises avec ses dernières sculptures aux expositions de la Fondation Villa Datris à l’Isle sur la Sorgue.

Le dessin est, au départ, la source de chacune de ses sculptures, qui évoluera ensuite avec des œuvres sur papier réalisées à l’encre de chine. Après avoir dessiné en volume, il construit sa création sous la forme de maquettes qui seront ensuite réalisées en grandeur nature pour obtenir la forme et la taille de la sculpture définitive. C’est ainsi qu’il créera en résine, acier ou bronze près de 300 pièces dont une grande partie sur le thème du siège détourné de sa fonction puis une série abstraite déclinaison sur la courbe, le cercle. Ses dernières années, il déclinera une série de bronzes inspirés par les thèmes de l’écologie, ainsi que du dessin

Le sculpteur traduit en volume et en espace son hymne à la nature, à l’histoire tourmentée de la nature dont nous faisons partie. « Je vois dans la beauté des hymnes de Corado une forme de respect ; ce que les aborigènes de Queensland, évoquant l’unité du minéral, du végétal, de l’animal et de l’humain, depuis le Temps du Rêve immémorial, nomment le Jalura, la « Loi du Respect ». François Dominique

« Je m’intéresse à ce qu’il y a d’éphémère et de vulnérable dans tout ce que l’homme produit, ainsi que dans sa propre existence, confronté à la vanité humaine face à nature, dont nous faisons partie intégrante. Cette quête suscite une réflexion profonde sur notre place au sein de l’écosystème mondial, mettant en valeur la beauté et le caractère immuable de la nature. »

« Dans ma démarche artistique j’explore la temporalité de la matière. J’utilise dans mes créations des matériaux issus de l’industrie que la plupart du temps je recrée afin de trouver la forme en adéquation avec l’idée. Il peut m’arriver également quelquefois de travailler avec de la récupération industrielle si je trouve que la forme peut être exploitable… La seconde phase de mon travail consiste à dématérialiser ces matériaux industriels, fabriqués ou récupérés en accélérant le processus naturel de transformation. A travers ces procédés je me laisses toute liberté.

Mes pièces sont le résultat de cette métamorphose, pensées dans une temporalité irréelle, un espace-temps différent. Elles participent à mon principe de création, que je veux à la fois inquiétant et bouleversant, exubérant et joyeux… Hymne à la nature. »

Créatrice de la marque Galva à Nice, Les Habits Neufs à L’Isle sur la Sorgue et le concept de maison d’hôte Les Habits Neufs à Sanary-sur-mer.

Patricia Serodon a construit toute sa carrière ; jusqu’à son art, autour de la matière. C’est elle qui l’inspire et qui lui impose son art. Les matières anciennes qu’elle récupère soigneusement un peu partout deviennent ses toiles. Patricia Serodon se sert de leur histoire pour donner naissance à la sienne.

La transformation de la matière première et de ses valeurs cachées entraîne un dialogue avec son inconscient. Les mémoires fusionnent et ses œuvres deviennent une conversation. Hors du temps, chaque pièce se dévoile différemment selon la matière qui s’observe à la lumière. Des formes et des visages apparaissent. C’est une nouvelle vie, un nouveau souffle.

Une artiste qui vit au bruit des vagues, où elle vient puiser son inspiration, que l’on retrouve imprimée sur ses toiles. Des toiles, qui sans le geste du peintre, seraient parties au rebut. Si la mer recycle les déchets de l’humanité et constitue le poumon bleu de notre planète, la démarche de Patricia Serodon, s’inscrit aussi dans un mouvement perpétuel de recyclage. Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme et ainsi accède à une nouvelle vie.

Aujourd’hui, au bruit des vagues, ou dans son atelier perdu dans la campagne, à l’abri des regards, Patricia Serodon peint. Et sous la danse de ses pinceaux, commence un nouveau voyage.

Après l’école des Beaux-Arts de Paris et une carrière prestigieuse, dans les années 80-90, en tant que créatif, effets spéciaux, animatronics pour la pub, le cinéma, la télé (le Bébête Show), Michel Soubeyrand a souhaité il y a 25 ans, se recentrer sur ses propres créations et pratique alors la sculpture, connaissant parfaitement les matériaux, prenant plaisir à modeler, et la peinture.

Michel Soubeyrand explore avec un humour délicieusement ironique, corrosif et esthétique notre inconscient partir de l’animalité, notre animalité. Il s’amuse de nos egos, nous transformant en personnages extravagants issus de contes, légendes ou mythologies débridés qui auraient été revisités par un auteur de comics s’exprimant en trois dimensions. 

Il situe ses créations « entre art toys et art contemporain ». Si l’esprit est résolument pop, Soubeyrand n’a rien en commun avec les imitateurs pop, néo pop et pseudo kitch qui pillent Jeff Koons, Wim Delvoye, Jan Fabre ou Ron Mueck. Il partage avec ce dernier un sens du dessin et du volume, une exigence et une maîtrise technique. Il pratique la sculpture avec talent et maestria, donnant corps à toutes les idées. 

L’homme devient « Dog Killer » croisement d’un chien et d’un Schtroumpf, armé d’un pistolet à eau. Il se métamorphose en « Dog Vador » armé d’un os-laser, ou tout vert en Dog buzz. La femme exhibe une plastique généreuse de Schtroumphette siliconée. Elle devient la louve domptant le taureau ou le cheval et de leurs corps vont naître bien des humeurs. Elle se fait chienne, se laisse ligoter paraît soumise. 

La femme est toujours conquérante, joyeuse, charnelle et sensuelle. Ses personnages débordent de plaisir sans tabou et sans vulgarité. Michel Soubeyrand est un artiste véritablement populaire, à la personnalité trempée et à l’œuvre forte, qui parvient à nous convaincre tous, hommes et femmes, pudiques ou pas, de la nécessaire libération des fantasmes.